Как пишется писанные акварелью картины

5 советов начинающим акварелистам

Тем, кто уже какое-то время рисует акварелью, эти советы могут показаться очевидными, однако для начинающих могут стать настоящим открытием и помочь рисовать намного лучше и выразительнее.

Оставляйте часть бумаги белой

Белым в акварели выступает сама акварельная бумага . Ее можно покрыть специальной жидкостью, которая так и называется, акварельный резерв.

Акварельный резерв лучше всего наносить тонкой ненужной кистью, апельсиновой палочкой или рейсфедером.

Поскольку жидкость резерва застывает, превращаясь в похожую на резину массу, она испортит любую кисть, склеив ее волоски. И ее можно будет снять только сильным растворителем, который точно так же повредит ворс.

Чтобы дешевая кисть для резерва прослужила дольше, перед использованием ее можно окунуть в жидкое мыло. Тогда акварельный резерв легко с нее снимется.

От светлого к темному

Этот принцип работает только для акварели. В карандашном рисунке или в живописи маслом художник работает ровно наоборот. Но акварелист, приступая к картине, должен заранее знать, где у него будут самые яркие блики.

Начинать работу стоит с самых светлых заливок, постепенно их затемняя.

Одновременно помните, что после высыхания цвета немного пожухнут, и стоит учитывать это в работе.

Больше слоев для большего контраста

Контрастные картины в любой технике смотрятся лучше и выразительнее чем те, где переходы между светом и тенью выражены слабо.

Если в любой другой технике можно сразу обозначить глубокую тень, взяв на кисть гуще краски или прочертив линию более жирным карандашом. Но в акварели тона невозможно высветлить, потому лучше затемнять их послойно.

К тому же, взяв акварельную краску более густо, вы можете получить гуашевый эффект, когда акварель теряет свою главную особенность — прозрачность.

Разделяй и властвуй

Я начинала писать акварелью с малых форматов, и тогда мне легко было делать ровные заливки на весь лист бумаги. Однако, перейдя к листам А4, я поняла, что даже большой кистью не могу прокрыть ровный слой акварели.

Особенно остро эта проблема встает на быстро сохнущей целлюлозе. Часто на быстро просохшей бумаге там при попытке продолжить работу по сырому, возникают некрасивые пятна.

Проще всего разделить рисунок на несколько небольших областей, прокрывая их акварелью одну за другой .

Чтобы работа не замедлялась, вы можете рисовать в одной области, пока сохнет другая, и постоянно переключаться между частями рисунка.

Задний план пишем по сырому

Техника по сырому — по праву считается самой сложной в акварели. Но есть простой и «безопасный» способ быстро освоить ее.

Продумав рисунок и зарезервировав светлые места, начните картину с фона, выполнив его в технике а ля прима.

Вы добьетесь красивых акварельных эффектов и переходов цвета, при этом точность деталей тут не важна, поскольку вы рисуете фон, который находится как бы не в фокусе.

К тому же начинать с фона гораздо проще, чем заканчивать им. Вам не придется аккуратно обходить уже готовый рисунок, боясь, что с него потечет краска.

Если вы, при проработке фона, вдруг увидите, как краска побежала на зарезервированный участок, просто промокните ее чистой бумажной салфеткой.

Источник статьи: http://zen.yandex.ru/media/natabold_art/5-sovetov-nachinaiuscim-akvarelistam-5cb5c25003be7000b456c427

Какая формулировка является корректной: «писать картину» или «рисовать картину»?

Писать картину, значит создавать ее с помощью масла, акварели, акрила, гуаши и тд т. е. краски. А рисовать — карандаш, вообщем графика. На самом деле можно говорить и так и так, но если хотите блеснуть знаниями среди друзей не занимающихся этим делом, можно сказать «пишу картину.»

Пожалуйста, только не «вообщем».

Корни слов русского языка подсказывают нам, что живопись — пишу, рисунок — рисую.

Ну, в обиходе чаще «картиной» называют живописное полотно, но это совершенно не обязательно всегда так.

Ну, картины все же пишутся. Говорю как художник от слова «худо» с 10-летним стажем. 🙂 Рисуются рисунки: карандашиком, перьями, ручками, пастелью, акварелью- то есть, материалами для графики. Пишутся же картины маслом, гуашью, темперой и так далее- для живописи. Все просто.

Правильно — написать картину. От слова живопись. Потому как то, что рисуется(в карандаше, пастели, графике), картиной не называется. Это рисунок. Ну, или картинка)))

Почему картины пишут, а портреты рисуют?

Это первый ответ автора, оцените его!

Данный вопрос задан не корректно. Сейчас поясню.

Существуют разные виды изобразительного искусства: живопись, графика, скульптура, архитектура, дпи (декоративно-прикладное искусство). Так вот в данном вопросе нас интересует живопись и графика.

Живопись – это вид изобразительного искусства, где цвет является главным выразительным средством. Графика – это вид изобразительного искусства, где художник в качестве выразительных средств использует в основном линии, штрихи, точки, пятна.

Художник, когда занимается живописью («живописать» — изображать живо, жизнеподобно)- он пишет картины. А художник, который занимается графикой — рисует.

Таким образом, если портрет выполнен например карандашом — он нарисован, а если портрет выполнен маслом — он написан.

Как правильно описывать картину?

Для того, чтобы описать картину, нужно ее «прочитать».
-Начните с фактов: когда и кем была описана картина, какой это жанр, что на ней изображено.
-Затем постарайтесь ответить на вопрос, ЗАЧЕМ автор написал это? Возможно, это был вызов обществу, способ обратить внимание публики на политические или социальные проблемы, его личные душевные переживания или выражение высоких чувств. Почитайте биографию художника, о времени, когда он жил, о его окружении и современниках — там вы найдёте ответ на этот вопрос.
-Опишите приемы, с помощью которых художник передал свою идею и усилил производимый эффект (техника, цветовая палитра, композиция. возможно, какие-нибудь другие нестандартные приемы)
-И в финале проанализируйте, что удалось и не удалось автору? Какое впечатление картина произвела на современников? А какое впечатление она производит на вас?

Чем иллюстрация отличается от картины?

Иллюстрация — изображение, созданное для пояснения текста, визуализации героев или объектов. Иллюстрации активно используются в книгах – начиная с книжек для самых маленьких, где она преобладает над текстом, заканчивая элементами художественного оформления книг для взрослых. В некоторых изданиях под иллюстрацией помещают отрывок из книги, чтобы показать, какая именно сцена изображена на картинке.

Картина — самостоятельное, законченное произведение, обладающее собственной художественным значением. Существует множество картин, написанных по сюжетам художественных произведений, однако рассматриваются они не как поясняющие элементы к тексту, а как законченное художественное высказывание. Так, например, картина М.Врубеля «Царевна-лебедь» не иллюстрирует «Сказку о царе Салтане», и необязательно знать произведение, чтобы изображение стало понятным и близким.

Можно сказать, картина рассказывает, а иллюстрация показывает.

Почему если неизвестный художник нарисует мазню, это считается бессмысленной мазнёй, а когда рисует знаменитый художник такую же мазню, то это считается искусством?

Вопрос очень сложный. Единственное, что я могу сказать точно, так это то, что рядом с великими картинами и чувствуешь себя по-другому. На них даже смотреть непросто. Создается чувство, что картина как-будто давит на тебя.

Но я не могу утверждать, что это чувство не навязано психологически. Где гарантия, что я, зная о ценности картины, сам себе это не навязываю.

По вашему вопросу очень интересна история Пьера Брассо. Под этим именем выставлялась «мазня» обычного шимпанзе. Но даже эксперты этого не поняли. А некоторые его выделяли как одного из лучших авангардистов десятилетия во Франции. Вот все что нужно знать о современном искусстве

Источник статьи: http://yandex.ru/q/question/kakaia_formulirovka_iavliaetsia_pisat_ili_37e4293e/

Пишем акварелью: 10 советов для начинающих

С технической точки зрения, писать акварелью просто: разбавляй краску водой да води кисточкой по бумаге – вот и вся премудрость. Так и начинается восхитительное творческое приключение акварелью! Предлагаем вам 10 подсказок, которые помогут избежать основных ошибок и улучшить самые первые результаты.

1. Высыхая, акварель светлеет.

Пока акварель влажная, цвет всегда будет более насыщенным и темным, и, соответственно, станет более тусклым и бледным, когда высохнет.
Со временем и опытом вы приспособитесь к этой особенности. Если вам не хватает яркости, возьмите больше краски и меньше воды, или нанесите дополнительный слой краски поверх предыдущего.

2. Тестируйте цвета

Акварель сохнет очень быстро, поэтому перед нанесением проверяйте новый цвет на клочке бумаги или на краю вашего листа. Тогда вы будете точно знать, тот ли это оттенок, что вам нужен.

3. Высохшая акварель остается растворимой

Даже если краска на картине высохла, ее все равно можно развести водой. Вы можете смочить ее кисточкой и тогда с нею опять можно работать. Это позволяет исправить огрехи, осветлить какие-то участки, убрав немного краски, или же вмешать туда другой цвет. Но все же это нужно делать аккуратно и в меру, чтобы не повредить поверхность листа.

4. Акварель прозрачна

Да, совершенно прозрачна. Глядя на картину, вы можете видеть все слои краски, которые вы нанесли, так что «закрасить» свои ошибки вам не удастся. Не стоит с этим бороться, просто примите как данность и используйте, как инструмент, не воспринимаю досадной помехой.

5. Двигайтесь от светлого к темному

Поскольку белого цвета в акварели нет, и краску в этом случае заменяет бумага, то обычной рекомендацией в акварельной технике почти всегда будет начинать со светлого, постепенно затемняя работу. Впрочем, не бойтесь экспериментировать – всегда может оказаться, что начинать с темных пятен – это именно ваш стиль.

6. Используйте хорошую кисточку

Лучше иметь одну качественную кисть, чем несколько дешевых, которые деформируются и теряют волоски. Это убережет вас от многих разочарований и испорченных работ. Хорошая кисть держит форму, что позволяет сходу делать красивые мазки, а также удерживает больше краски, а значит, ее реже придется в нее макать.

7. Не добавляйте чересчур много воды

Чтобы избежать чрезмерного смачивания кисти после ее промывания, слегка просушите ее чистой тряпочкой, а лишь потом берите ею краску. Если же вы уже набрали краску, и решили, что краски вам нужно меньше, той же тряпочкой можно снять лишнюю краску, промокнув у самого основания волосков – тогда краска останется на кончике, где ей быть и нужно.

8. Акварельная бумага бывает разная

Под этим названием продается масса разных вариантов. Отличия могут быть в толщине листа, текстуре, гладкости и даже оттенке, не говоря уже о различных форматах листа.

9. Тонкую бумагу лучше натянуть

Чем тоньше лист и чем больше краски вы наносите, тем больше вероятность, что бумага покоробится и пойдет волнами. Этого можно избежать, натянув лист на планшет (как это делать, мы еще расскажем).

10. Используйте жидкую маску и маскирующую ленту

Жидкая маска (frisket) помогает «заблокировать» те места, которые вы не хотите закрашивать, пока не закончите остальные участки. Ее нужно просто нанести на нужные места и дать высохнуть. Затем маску удаляют каучуковым ластиком (но только когда краска полностью высохла). Единственный момент – жидкая маска подходит не ко всем видам бумаги, так что выясните это заранее, иначе средство просто впитается в работу и удалить вы его не сможете.
Лентой же обычно закрывают края – и они остаются чистыми.

Источник статьи: http://masterkrasok.ru/posts/drawing/moist_colors/pishem-akvarelyu-10-sovetov-dlya-nachi

Акварель — воздушная лёгкость радуги: виды, техники, история

Акварель — это вид изобразительного искусства, сочетающий свойства живописи и графики. От живописи она взяла богатство цвета и его широкие художественные возможности для моделирования форм. А от графики — тонкослойное наложение краски (без рельефности) и использование бумаги не просто как материала, но и как изобразительного элемента: фон становится пространством, «воздухом». Акварельные работы более объёмны, чем графические, но более воздушны, чем живописные картины. Возникла эта техника в древнем Китае, во II веке, с изобретением бумаги. Классическая европейская акварель появилась в XV—XVI столетиях, а расцвела в Англии на рубеже XVIII-XIX веков.

Акварель — термин, в котором отображена суть данной техники. Для рисования художники используют не масляные краски, а специальные, акварельные, которые перед нанесением разбавляются водой. Кроме того, иногда дополнительно смачивается и лист. Отсюда и название — от латинского слова aqua («вода»). На этой основе в итальянском и французском языках появились термины acquarello и aquarelle.

Акварель позволила художникам выразительно передавать эффекты воздушности и влажности. Долгое время живописцы бились над проблемой отображения на произведениях дождя, и эту задачу с успехом решили именно акварелисты. Эта техника идеально подошла для пейзажистов, работающих на пленэре.

Широко используются её возможности в портрете и натюрморте.

Какие бывают акварельные техники

Акварель объединяет множество интересных техник. Искусствоведы классифицируют их по различным принципам, в частности — по влажности листа и кисти, по многослойности наложения цвета. Объединив эти подходы, получим следующую развёрнутую классификацию.

Работа на сухой бумаге («по сухому») — обеспечивает контроль над краской. Эту разновидность акварели также называют итальянской. У неё есть два подвида.

Однослойная. Этот художественный подход разделяется на:

• Работу «сухим по сухому» (то есть изображение наносится отжатой кистью). Получаются очень чёткие мазки, и произведение максимально приближается к графике.
• Работу «мокрым по сухому». Влажной кистью мастер наносит мазки рядом друг с другом, слегка захватывая границы. Оттенки смешиваются, получаются выразительные переливы.

Многослойная (лессировка). Художник-аварелист накладывает прозрачные мазки поверх предыдущих — уже высохших, чтобы не допустить смешения. Это сближает акварельную лессировку с масляной живописью и позволяет создавать очень реалистичные произведения. Цвет получается интенсивным, полнозвучным, но сохраняется ощущение лёгкости.

Работа на влажном листе («по мокрому», «по сырому»). Это так называемая английская акварель. Контроль за краской вызывает трудности, но зато художник получает прозрачные оттенки с нежными и мягкими переходами тонов. Выделяется два варианта:

• «Мокрым по мокрому» — обеспечивает сильный эффект размытости.
• «Сухим по мокрому» — позволяет лучше управлять краской.

Иногда выделяется метод A la Prima — подразумевается, что работа выполняется в один присест, без дальнейших доработок, пока не высох материал. Произведения «а ля прима» выглядят свежо и эмоционально. Их нельзя скопировать, так как невозможно абсолютно точно повторить размытие.

Возможна также комбинация английской и итальянской методики в одной работе. Смешанная техника позволяет получать различные эффекты: например, детальную прорисовку реальности при размытости дальнего плана.

Интересные эффекты даёт рисунок на частично увлажнённом листе. Например, делая длинный мазок, акварелист получает разную прорисовку на сухих и мокрых фрагментах.

Во всех четырёх основных вариантах (итальянском, английском, комбинированном, с фрагментарным увлажнением) можно работать как отжатой кистью, так и мокрой. Кроме того, иногда используют полусухую (полувлажную) кисть.

Бумага не является единственным материалом для акварелистов. Они также работают с шёлком, пергаментом, картоном, слоновой костью и другими материалами, но довольно редко.

Существуют и смешанные техники, когда в дополнение к акварельным краскам используются:

Для получения специальных эффектов мастера-акварелисты также применяют:

• кристаллики соли, впитывающие пигмент и создающие миниатюрные локальные пятнышки-разводы;
• чёрный чай — для состаривания бумажного листа;
• мятую бумагу — для особой фактурности;
• пищевую плёнку — с её помощью создаётся впечатление стеклянной мозаики;
• метод разбрызгивания, когда красочные капли хаотично разлетаются со щётки.

Существует и классификация по палитре:

• многоцветная (полихромная);
• двуцветная (дихромная);
• гризайль (монохромная).

Это разделение значимо именно из-за выделения гризайля — акварелей с особым настроением, сильной атмосферностью. Впечатление достигается за счёт тончайших тональных переходов чёрного цвета, сепии, охры.

История акварели и знаменитые художники-акварелисты

Краски, разводимые водой, появились в глубокой древности, а во II веке в Китае изобрели бумагу. Эти изобретения положили начало акварельным техникам. В Европе с бумагой познакомились в XII-XIII столетиях, но сначала рисовали на ней плотными корпусными красками. Прозрачная акварель появилась позже — в XV-XVI веках. Сначала в ней работали немногие мастера — такие, как Альбрехт Дюрер (Durer Albrecht), создавший знаменитого «Зайца», и то эпизодически. Это объяснялось неразработанностью художественных подходов, из-за чего профессионалы отдавали предпочтение живописи.

На уровень самостоятельного искусства акварелистику вывели английские художники на рубеже XVIII-XIX столетий. Они раскрыли для мира широчайшую палитру эффектов, которую вручает творцу воздушная сестра живописи.

Основоположниками этой школы считаются Томас Гёртин (Thomas Girtin) и Уильям Тёрнер (Joseph Mallord William Turner).

Лучшие работы художников-акварелистов вошли в фонд мировых шедевров. Помимо уже упомянутых мастеров — Дюрера, Тёрнера, Гёртина — такие произведения созданы:

• художниками-романтиками Сэмюэлом Палмером (Samuel Palmer) и Эженом Делакруа (Ferdinand Victor Eugène Delacroix);
• представительницей прерафаэлитов Люси Мэдокс Браун (Emma Lucy Madox Brown Rossetti);
• неоимпрессионистом Полем Синьяком (Paul Signac);
• постимпрессионистами Полем Сезанном (Paul Cézanne) и Морисом Брэзилом Прендергастом (Maurice Brazil Prendergast);
• представителем ар-брюта Йозефом Карлом Редлером (Josef Karl Rädler);
• скандальным мастером Прекрасной эпохи (Belle Époque) Джоном Сингером Сарджентом (John Singer Sargent), которого трудно отнести к конкретному направлению.

В России акварелистику развивали:

Сейчас акварельные работы пользуются широким спросом у коллекционеров, дизайнеров интерьеров, инвесторов. На аукционах антиквариата регулярно появляются среди лотов произведения авторов-акварелистов различных эпох. А для того, чтобы купить картины для личной коллекции или в качестве эксклюзивного подарка у современного художника-акварелиста, вы можете напрямую связаться с автором, используя функционал сайта Very Important Lot. Наслаждайтесь выбором и знакомьтесь с разнообразными акварельными эффектами на картинах классиков и экспериментаторов!

Источник статьи: http://veryimportantlot.com/ru/news/blog/akvarel